Golgo 13: Top Secret Episode es un videojuego de acción desarrollado y publicado para Vic Tokai para la Nintendo Entertainment System (NES), que fue lanzado en 1988. Este juego, esta basado en un manga popular, el jugador asume el rol de Golgo 13 (también conocido como Duke Togo), un asesino cuyo objetivo es destruir al líder del grupo Drek. En el camino, Golgo 13 debe pasar por varias áreas, incluyendo Berlín del Este, Atenas, Río de Janeiro y la Isla Alexander, que se encuentra frente a la costa de la Antártida.
Muy por encima de la ciudad de Nueva York, explota un helicóptero. A bordo de la nave se encuentra el último arma de guerra biológica que ha sido secretamente desarrollada por la CIA el Cassandra-G. Una vacuna y planes han sido robados se encuentran entre los fragmentos de los restos del helicóptero junto con un proyectil disparado desde un M16.
El helicóptero fue derribado por disparos de un francotirador experto armado con un M-16. La CIA concluye que el acto fue responsabilidad del súper francotirador, Golgo-13. Un lanzamiento oficial de la CIA vincula a Golgo-13 con el KGB (el grupo de inteligencia soviético).
En estas circunstancias, el incidente con el helicóptero de la CIA y el lugar desconocido de Cassandra-G se enredan. Un representante de la organización internacional secreta, FIXER, transmite un mensaje. FIXER cree que el asunto es obra de los restos del Imperio DREK y no de Golgo-13.
En ese momento, Nintendo of America tenía estrictas políticas de censura sobre qué tipo de contenido se podía representar o referenciar en cualquier juego publicado para un sistema de Nintendo. En la versión original en japonés, el «imperio» DREK es en realidad el régimen Nazi resucitado, pero esto se modificó para que se adecuara a la prohibición de la defensa política, los estereotipos raciales o étnicos.
Sin embargo, algunos de los cambios fueron más completos que otros. El jefe final, Smirk, es claramente una versión cyborg de Adolf Hitler y un archivo recuperado por Togo durante una infiltración de base en Grecia conserva una esvástica, que es visible en el área de inventario del jugador. Nintendo requirió que Golgo cambiara su profesión para espiar en vez de asesinar, por su prohibición de la violencia gráfica y la sangre derramada.
Es necesario navegar y disparar a través de varios laberintos en una vista en primera persona para avanzar en el juego. Los laberintos representan una gran cantidad de la frustración de los jugadores con este juego. El manual de instrucciones contiene mapas para los laberintos.
Super Street Fighter II: The New Challengers [SNES]
Super Street Fighter II: The New Challengers es un juego de lucha cuerpo a cuerpo producido por Capcom para Arcade y Super Nintendo lanzado en 1994. Es el cuarto juego de la sub-serie Street Fighter II de Los juegos de Street Fighter, siguiendo a Street Fighter II Turbo: Hyper Fighting. Además de perfeccionar y equilibrar la lista de personajes existente de las versiones anteriores, Super Street Fighter II introdujo cuatro nuevos personajes. También fue el primer juego desarrollado en el hardware CP System II de Capcom, que permitía gráficos y audio más sofisticados sobre el hardware original de CP System utilizado en versiones anteriores de Street Fighter II.
Super Street Fighter II fue seguido por Super Street Fighter II Turbo, una quinta versión de Street Fighter II lanzada al año siguiente, que refinó aún más el equilibrio entre los personajes e introdujo nuevas características adicionales.
Los doce personajes de los anteriores juegos de Street Fighter II regresaron, y muchos de ellos tenían sus técnicas básicas y especiales refinadas para ajustar el equilibrio general. Algunos de los personajes recibieron nuevas técnicas especiales como Ryu’s Fire Hadōken (rebautizado Shakunetsu Hadōken en la serie Street Fighter Alpha), un flamante Shoryuken para Ken, Zangief’s Atomic Buster y M. Bison’s Devil Reverse.
La versión Super NES de Super Street Fighter II, lanzada el 25 de junio de 1994 en Japón, y durante el mismo mes en América del Norte y Europa, fue el tercer juego de Street Fighter lanzado para la consola, siguiendo al Street Fighter II original y Street Fighter II Turbo (un puerto de Hyper Fighting). Fue lanzado en un cartucho de 32 Megabit y presentó soporte para la red en línea XBAND. El puerto de SNES presentaba varios modos de juego nuevos, como Group Battle y Time Challenge, y el modo de torneo de ocho jugadores de la versión arcade, además de los modos Arcade y Versus de los juegos anteriores. Debido a limitaciones de hardware, ciertos efectos de música y sonido fueron reemplazados por diferentes versiones. Al igual que en la versión SNES de Turbo, la música de fondo se detiene entre rondas y se reinicia desde el principio en la siguiente ronda. A diferencia de la versión de Sega Genesis, el puerto de SNES tiene la sangre para los retratos golpeados del personaje eliminados o reemplazados por sudor (muy probablemente debido a la estricta política de censura de Nintendo en ese momento).
En el número de febrero de 1994 de Gamest (en japonés), Super Street Fighter II fue nominado al Mejor Juego de 1993, finalmente clasificado en el tercer lugar. En la categoría de los Mejores Juegos de Lucha, Super ganó tres premios más en el tercer lugar en las categorías de «Mejores Juegos de Lucha», «Mejores Gráficos» y «Mejor VGM» (videojuego). Cammy, que fue presentada en Super, quedó en quinto lugar en la lista de los Mejores Personajes de 1993, con Dee Jay y T. Hawk con 36 y 37.
Electronic Gaming Monthly dio la versión de SNES 28 de 40 (7 de 10 promedio), con los cuatro revisores coincidiendo en que, aunque era la mejor versión de Street Fighter II hasta la fecha, las adiciones fueron limitadas dado cuántas versiones ya se habían publicado. , y Capcom debería haber lanzado un Street Fighter III con una nueva mecánica en su lugar.
The Astyanax, conocido en Japón como The Lord of King es un juego de acción de desplazamiento lateral desarrollado por Aicom para los arcades de Jaleco, lanzado en 1990. La versión casera para el Nintendo Entertaiment System (NES), simplemente titulada Astyanax, fue lanzada durante el mismo tiempo que la versión arcade.
Astyanax es una estudiante de 16 años de Greenview High School que ha estado teniendo un sueño recurrente en el que una mujer joven está gritando su nombre. Un día, mientras se dirigía a clase, Astyanax se vio repentinamente transportado a otra dimensión. Astynax conoce a la hada Cutie, quien explica que él está en el reino de Remlia (una posible traducción errónea de Lemuria) y ha sido convocado para rescatar a su gobernante, la Princesa Rosebud, que está siendo cautiva del malvado mago Blackhorn. Armado con el legendario hacha concedida, Astyanax emprende un viaje a la guarida de Blackhorn con Cutie para rescatar a Rosebud.
A diferencia de la versión de arcade, la versión de NES solo puede ser jugada por un jugador. Al igual que en la versión de arcade, el jugador tiene un indicador de vida, un medidor de fuerza que se llena automáticamente cuando no está atacando y un indicador mágico para sus hechizos. A diferencia de la versión arcade, el jugador puede manejar otras armas además del hacha por defecto, así como también usar diferentes hechizos mágicos, que se seleccionan al pausar el juego.
Al coger un power-up, el arma de Astyanax, el Bash, cambia de forma de su forma de hacha predeterminada a una lanza, que puede actualizarse de nuevo en una espada. La lanza tiene la fuerza de ataque más débil, pero permite que Astyanax use sus hechizos mágicos más a menudo consumiendo menos puntos mágicos, mientras que la espada puede causar el mayor daño a los enemigos, pero consume la mayor cantidad de puntos mágicos al lanzar un hechizo. El jugador volverá a su arma anterior después de perder una vida.
Los hechizos mágicos del jugador consisten en un hechizo vinculante que congela temporalmente a todos los enemigos durante unos segundos, un hechizo de fuego que daña a todos los enemigos dentro del alcance y un hechizo de rayo que daña a todos los enemigos en la pantalla. Cada hechizo consume una cantidad diferente de puntos mágicos, y el hechizo vinculante consume el menor punto, mientras que el rayo consume más.
The Legend of Zelda: Link’s Awakening DX (en español: La leyenda de Zelda: El despertar de Link), conocido en Japón como Zelda no Densetsu: Yume o Miru Shima (lit. La Leyenda de Zelda: La Isla de Ensueño), es una versión coloreada del juego lanzado a partir de diciembre de 1998 en Game Boy Color, que ofrece varias funciones nuevas.
Todos los elementos del juego original están controlados y complementados por algunas características nuevas. El juego es compatible con el Game Boy. Nintendo ha mejorado ligeramente la calidad de los gráficos.
El juego presenta una mazmorra extra, cuyos enigmas son esencialmente basados en el color, incluido el choque final con el jefe. En esta mazmorra, Link puede obtener una túnica nueva y mejor, azul para la defensa y roja para el ataque. Se han eliminado los errores de movimiento. Algunos textos han sido modificados para facilitar el periplo. En las mazmorras, las canicas con brillo, así como los fragmentos de mármol, son reemplazadas por estatuas de la lechuza, y la parte que se encuentra es su pico.
The Legend of Zelda: Link’s Awakening DX es el cuarto juego de la serie The Legend of Zelda . Los eventos que tienen lugar en este tienen lugar antes de los que ocurren en Oracle of Seasons y Oracle of Ages (lanzados en 2001) y después de A Link to the Past (lanzados en 1991). El juego se ubica cronológicamente en medio del universo paralelo de la serie donde Link no pudo derrotar a Ganon en el episodio Ocarina of Time.
Es un juego de acción y aventura que se centra en la exploración y el combate, como la mayoría de los juegos en The Legend of Zelda, ambientados en un mundo de fantasía medieval. El juego es casi idéntico al sistema de juego que los gráficos del episodio anterior A Link to the Past. Sin embargo, la jugabilidad tiene muchas innovaciones y proporciona una experiencia de juego sin precedentes. La mayor parte de la acción tiene lugar en una vista en perspectiva desde arriba. Sin embargo, el juego presenta secuencias de juego de desplazamiento horizontal similares a las de Super Mario Bros., especialmente en las mazmorras o en algunos minijuegos, pasajes secretos o subterráneos.
Link’s Awakening DX es muy bien recibido por la prensa especializada en su lanzamiento y obtiene calificaciones en general ligeramente mejores que la versión original. Si algunos observadores están decepcionados por la nueva mazmorra, los otros ven una contribución significativa a un juego de muy buen nivel. Algunos de ellos notan la obligación de cambiar muy a menudo la configuración de muchos objetos en los dos únicos botones disponibles. La colorización y la calidad de los gráficos son ampliamente aplaudidas y el juego generalmente se considera un clásico y esencial del color de Game Boy. En GameRankings, Link’s Awakening DX obtiene un promedio de 91.21% en septiembre de 2017 con doce críticos.
Ninja Gaiden Shadow lanzado en japón como Ninja Ryder GB: Matenrō Kessen, y en Europa y Australia como Shadow Warriors, es un juego de acción de plataformas lanzado para el Game Boy en 1991 por Tecmo. Es un spin-off de la serie de Ninja Gaiden.
Se ubica tres años antes de los acontecimientos de la primera Ninja Gaiden (NES), el jugador controla Ryu Hayabusa, que debe salvar a Nueva York de las fuerzas del emperador Garuda, un sirviente de Jaquio. Los secuaces de Garuda incluyen el cyborg «Spider», el kickboxer Gregory y su manager Jack, el ex comandante militar coronel Allen, y el noble japonés Whokisai.
Ninja Gaiden Shadow presenta una mecánica de juego simplificada en comparación con los utilizados en la trilogía NES. En contraste con la variedad de artes ninja y power-ups disponibles en los juegos de NES, Ryu sólo tiene un ataque de espada básica y un ataque de rueda de fuego que se puede reponer para un máximo de cinco usos. Mientras que Ryu no puede pegarse o trepar paredes como en los juegos de NES, puede colgar en barandillas y moverse debajo de ellos como en Ninja Gaiden III: La nave antigua de la condenación, y utilizar tanto su ataque de la espada y el arte de la rueda del fuego mientras que cuelga en pasamanos . Ryu también está equipado con un gancho de agarre que le permite aferrarse a las barandillas difíciles de alcanzar. Al igual que en las versiones de NES, Ryu puede encontrar pociones de salud, acciones de la rueda de fuego, y vidas adicionales destruyendo contenedores de artículos.
Darkwing Duck es un videojuego de plataformas basado en la serie de televisión de Disney Darkwing Duck. El juego fue desarrollado por Capcom para la NES en 1992 y fue portado al Game Boy en 1993.
Una misteriosa ola de crímenes ha golpeado a St. Canard y S.H.U.S.H. requiere los servicios del luchador del crimen con capucha Darkwing Duck para detenerlo, ya que parece que F.O.W.L. y su valioso operativo Steelbeak está detrás de la revuelta. Han contratado a seis de los mejores enemigos de Darkwing para causar estragos en diferentes áreas en todo St. Canard. Darkwing debe someter a cada uno de estos criminales para encontrar a Steelbeak y salvar la ciudad.
Es un juego de plataformas con un par de elementos similares a la serie de videojuegos Mega Man de Capcom. El juego se basa en plataformas típicas mientras usas una pistola de gas para acabar con los enemigos. El jugador puede elegir entre tres etapas diferentes al comienzo del juego y, después de eso, estar disponible otra serie de tres. Una vez que las seis etapas están claras, Darkwing procede a la Fortaleza Flotante de F.O.W.L. para su confrontación final con Pico de acero.
El juego ha sido considerado un ejemplo de la calidad de los juegos de Disney producidos por Capcom. El juego fue bien recibido por los críticos. Entertainment Weekly le dio al juego una B.
Contra es un videojuego Run and Gun desarrollado y publicado por Konami, originalmente lanzado como juego de arcade que funciona con monedas el 20 de febrero de 1987. Una versión doméstica fue lanzada para el Nintendo Entertainment System en 1988 America y 1990 en Europa, junto con puertos para varios formatos de computadora, incluyendo el MSX2.
Las versiones domésticas se localizaron en la región PAL como Gryzor en los diversos formatos de computadora y como Probotector en la NES.
De acuerdo con los materiales promocionales japoneses, Contra se encuentra en el futuro lejano del año 2633 d. C., donde la malvada organización Red Falcon ha establecido una base en el archipiélago ficticio de Galuga cerca de Nueva Zelanda en un complot para eliminar a la humanidad. Dos comandos, Bill Rizer y Lance Bean, de la unidad Contra de la Corporación Marina de la Tierra (un grupo de soldados de élite que se especializa en la guerra de guerrillas), son enviados a la isla para destruir las fuerzas enemigas y descubrir la verdadera naturaleza de la entidad alienígena que las controla.
Contra emplea una variedad de perspectivas de juego, que incluyen una vista lateral estándar, una vista pseudo-3D y un formato de pantalla fijo. Hasta dos personas pueden jugar simultáneamente, con un jugador como Bill, y el otro jugador como Lance. Cuando uno de los protagonistas salta, se enrosca en un salto mortal en lugar de hacer un salto convencional como en otros juegos.
Gran parte de la popularidad del juego provino de su juego simultáneo para dos jugadores, que era una característica poco común en los videojuegos en el momento del lanzamiento de Contra. Si bien fue exitoso en las salas de juego, el juego se hizo, y siguió siendo ampliamente popular y recordado cuando fue portado a Nintendo Entertainment System en 1988.
En los albores de los 90, cuando las consolas de 8 bits dominaban los salones de las casas, un juego como Code Name: Viper irrumpió con la promesa de acción trepidante y misiones encubiertas. Imagina el zumbido de un cartucho insertado en tu NES, el controlador en mano, y la adrenalina de infiltrarte en bases enemigas mientras el mundo exterior se desvanecía. Este título, con su mezcla de disparos y plataformas, capturó la esencia de una era donde cada salto podía ser fatal, transportándonos a junglas sudamericanas llenas de peligros.
Code Name: Viper, conocido en su versión original japonesa como Ningen Heiki: Dead Fox (人間兵器デッドフォックス), es un videojuego de acción y plataformas que se enmarcaba perfectamente en las tendencias de finales de los 80 y principios de los 90, donde los títulos inspirados en arcades como Rolling Thunder ganaban terreno en consolas domésticas. Desarrollado por Arc System Works, una compañía emergente conocida por su trabajo en ports y adaptaciones, y publicado por Capcom, que en esa época ya gozaba de una reputación estelar gracias a éxitos como Mega Man y Street Fighter, el juego destacaba por su pulido técnico dentro de las limitaciones del hardware NES.
Lanzado inicialmente en Japón el 23 de febrero de 1990 bajo el título Ningen Heiki: Dead Fox, llegó a Norteamérica apenas un mes después, en marzo de 1990, como Code Name: Viper. No hubo otras versiones contemporáneas notables en plataformas como arcade o computadoras personales; su debut y enfoque principal fue en la Nintendo Entertainment System (NES), donde aprovechaba al máximo las capacidades de la consola para ofrecer una experiencia de infiltración y combate que resonaba con la cultura pop de espías y narcotraficantes de la época.
PARTE II – Trama en las Sombras: La Narrativa de un Agente contra el Narcotráfico
En el corazón de Code Name: Viper late una historia de espionaje y venganza ambientada en Sudamérica. El protagonista, Kenny Smith, alias «Viper», es un agente especial de las Fuerzas Especiales 98 enviado por su comandante, Jones, a desmantelar un vasto sindicato de drogas que abarca países como Venezuela, Brasil, Chile, Perú, Paraguay, Argentina y Bolivia. Su misión: rescatar agentes desaparecidos, recopilar pistas y enfrentar al misterioso cabecilla del cartel.
El tono es serio y cinematográfico para su época, aspirando a emular películas de acción como Rambo o Commando, con un enfoque en la guerra contra las drogas que reflejaba preocupaciones sociales de los 80. La narrativa se cuenta principalmente a través del manual del juego, que detalla el trasfondo, y secuencias intermedias entre niveles donde Viper recibe mensajes encriptados que se revelan progresivamente. No hay cinemáticas elaboradas, pero la narrativa ambiental surge de los entornos: junglas densas, bases subterráneas y mapas que contextualizan la progresión geográfica, inmersando al jugador en una operación encubierta sin necesidad de diálogos extensos.
PARTE III – Mecánicas de Infiltración: La Jugabilidad que Pone a Prueba tus Reflejos
La jugabilidad central de Code Name: Viper gira en torno a la acción de plataformas laterales, donde controlas a Viper en misiones de infiltración. Puedes correr, disparar, saltar entre pisos (manteniendo arriba o abajo en el D-pad mientras saltas) y entrar en puertas para obtener power-ups como munición extra, vidas o extensiones de tiempo. Armado inicialmente con una pistola, puedes upgrading a una ametralladora para fuego continuo, y el «game feel» es preciso pero exigente: cada movimiento cuenta, con un énfasis en el timing para evitar enemigos y trampas.
Innovaciones incluyen la capacidad de disparar mientras saltas y cambiar dirección en el aire, lo que añade fluidez comparado con predecesores. El rescate de rehenes y comandos es clave: los primeros otorgan puntos, mientras que los segundos proporcionan granadas para destruir obstáculos y avanzar la trama. No hay versiones para otras plataformas contemporáneas, por lo que las mecánicas se mantienen consistentes en NES.
La curva de dificultad es notoriamente ascendente, comienza accesible pero escala rápidamente con enemigos variados (soldados de colores que indican patrones, francotiradores, buzos y maníacos), patrones impredecibles y vidas limitadas. Es justa en su diseño, premiando la memorización y la precisión, pero puede sentirse artificial en picos de frustración típicos de la generación, donde un error significa reiniciar el nivel.
PARTE IV – Misión: Sobrevivir al Tiempo
La recepción crítica original fue mixta pero positiva en revistas como Nintendo Power y Famitsu, que le otorgó un 60/100, elogiando su acción fluida pero criticando su similitud con Rolling Thunder. Críticos de la época lo vieron como un «homenaje» sólido, destacando su jugabilidad adictiva pese a la falta de originalidad.
Desde una perspectiva actual, el juego ha envejecido bien en lo jugable: sus mecánicas precisas siguen siendo desafiantes y divertidas, aunque los gráficos limitados por la paleta NES pueden parecer obsoletos. Técnicamente, resiste gracias a su diseño limpio, sin slowdowns notorios.
Su legado es modesto pero influyente: como clon mejorado de Rolling Thunder, inspiró títulos de acción en 8 bits y contribuyó al catálogo de Capcom en NES. En la cultura popular, es recordado por fans nostálgicos como un «clásico olvidado», con menciones en podcasts y videos que lo comparan favorablemente con su inspiración, aunque no generó secuelas directas.
PARTE V – Localización Ibérica
El lanzamiento original en mercados hispanohablantes no incluyó una traducción oficial; el juego llegó en inglés, con textos mínimos que no requerían localización extensa. Sin embargo, la comunidad de fans ha llenado el vacío con romhacks: una traducción al español completa está disponible en sitios como romhacking.net, realizada por el grupo Traducciones Wave (o colaboradores como Traducciones del Tío Víctor), quienes merecen crédito por adaptar diálogos y menús para una experiencia más accesible.
PARTE VI – Resucitando la Misión
A fecha de 15 de octubre de 2025, las vías legales para revivir Code Name: Viper incluyen el hardware original: busca cartuchos usados en sitios como eBay o mercados retro, compatibles con consolas NES clásicas. No está disponible en servicios como Nintendo Switch Online, ni en reediciones digitales oficiales como Virtual Console (que cerró en Wii U y 3DS).
Para una experiencia purista, usa una NES con TV CRT. En cuanto a emulación responsable, si posees el cartucho original, puedes dumpear la ROM legalmente y jugar en emuladores como Mesen o RetroArch en PC o dispositivos modernos. No hay colecciones físicas recientes de Capcom que lo incluyan, pero comunidades retro lo mantienen vivo a través de preservación digital ética.
PARTE VII – Estética y Melodías
Detrás del sonido está Junko Tamiya, compositora clave de Capcom, junto a Yoko Shimomura, quien contribuyó en pistas selectas. La banda sonora es chiptune energética, con temas icónicos como el de las áreas 1-2 (jungla vibrante) y 3-4 (tensión subterránea), que capturan la urgencia de la misión y han sido remasterizados en compilaciones fan.
La dirección artística aprovecha la paleta NES: sprites detallados para Viper y enemigos, con colores vibrantes en junglas verdes y bases grises. El diseño de personajes es caricaturesco pero efectivo, con animaciones fluidas que realzan el «game feel». No hay polígonos, solo sprites 2D que, pese a limitaciones, crean atmósferas inmersivas.
PARTE VIII – Desclasificando Archivos
Durante el desarrollo, Arc System Works contó con apoyo de Capcom en gráficos y sonido, lo que explica su pulido. Ideas descartadas incluyen animaciones de manos en pantallas de victoria (cruzadas, abiertas, puño) y un globo de diálogo «OK» no usado, además de sprites de helicópteros y mapas tempranos en el ROM, revelados por sitios como The Cutting Room Floor.
Secretos incluyen puertas ocultas para power-ups, y trucos como passwords por nivel. No hay glitches legendarios como el Código Konami, pero el juego es propenso a «softlocks» en patrones enemigos. Diferencias regionales: la pantalla de título japonesa es más sobria, y el box art US muestra a Viper en pose heroica con arma, mientras que el japonés enfatiza el título «Dead Fox» con arte más abstracto. En censuras, no hay cambios notables, pero la dificultad es uniforme, reflejando el «Nintendo Hard» global.
Si te gustó la acción de Capcom, echa un vistazo a nuestro análisis de Mega Man 2 para más desafíos pixelados, también puedes explorar otro clásico de plataformas con nuestro artículo sobre Rolling Thunder, la inspiración detrás de Viper.
Hubo un tiempo, a mediados de los 80, en que la oscuridad en los videojuegos era una limitación técnica. Rara vez era una elección temática. Pero entonces, en 1986, las puertas de un castillo se abrieron en Japón. Un eco de terror gótico y acción implacable resonó hasta Occidente. Konami nos invitó a Transilvania, nos entregó un látigo y nos enfrentó a la noche. Este es el análisis de Castlevania para NES. Es el juego que no solo definió un género, sino que forjó una leyenda que perdura hasta hoy.
El título que dio inicio a todo fue Akumajō Dracula (悪魔城ドラキュラ) en Japón. Su nombre se traduce como «Castillo Demoníaco Drácula». Fue lanzado por la legendaria Konami, una compañía que en aquel entonces era sinónimo de calidad en la era de los 8 bits. El juego se consolidó como un pilar del género de acción y plataformas. Otros héroes saltaban sobre tortugas o luchaban en mundos de fantasía colorida. En contraste, Castlevania nos sumergía en una atmósfera de cine de terror clásico. Fue una propuesta audaz y madura para su época.
Su debut se produjo en el Famicom Disk System de Japón el 26 de septiembre de 1986. El resto del mundo lo recibió en formato de cartucho para la Nintendo Entertainment System (NES). Llegó a Norteamérica en mayo de 1987 y a Europa a finales de 1988. Existieron versiones para ordenadores como el MSX2 y el Commodore 64. Sin embargo, la versión de NES se convirtió en el estándar de oro, un recuerdo imborrable para toda una generación.
PARTE II – 1691: Un Belmont Contra la Noche Eterna
La premisa de Castlevania es un elegante ejercicio de mitología instantánea. Cada cien años, cuando el poder de Cristo se debilita, el Conde Drácula resucita para sumir al mundo en la oscuridad. Y cada vez que regresa, un miembro del clan Belmont, una estirpe de cazadores de vampiros, se alza para enfrentarlo armado con el látigo sagrado, el «Vampire Killer».
En esta primera entrega, encarnamos a Simon Belmont, quien en el año 1691 debe adentrarse en el siempre cambiante y laberíntico castillo de Drácula para destruir al señor de los vampiros. La narrativa, propia de su era, era minimalista y directa, contada principalmente a través del manual de instrucciones y una icónica pantalla de inicio que mostraba un mapa del recorrido de Simon hacia la torre del conde.
No había diálogos ni cinemáticas complejas. La historia se absorbía a través del entorno. El jugador exploraba pasillos decrépitos y veía estatuas que lloraban sangre. Se enfrentaba a enemigos sacados de las pesadillas del cine clásico. Castlevania fue un maestro temprano de la narrativa ambiental. Cada ladrillo del castillo y cada pieza musical contaba una historia de maldad ancestral. El tono era sombrío y sorprendentemente maduro, recreando la emoción del cine de terror en un cartucho de 8 bits.
PARTE III – El Ritmo del Látigo
Castlevania es un juego de acción y plataformas metódico y exigente. El control de Simon Belmont es deliberadamente pesado; no es un héroe ágil, sino un guerrero decidido. Su salto es un compromiso inalterable en el aire, y cada latigazo con el «Vampire Killer» tiene un timing y un alcance precisos que el jugador debe dominar. Este «game feel» intencionadamente rígido no es un defecto, sino la base de su diseño: el juego no exige reflejos puros, sino paciencia, estrategia y memorización de patrones.
La mecánica central es el combate. Simon usa el látigo «Vampire Killer», que puede mejorar dos veces. Además, puede blandir cinco sub-armas: el hacha, el agua bendita, la cruz-bumerán, el reloj y la daga. Cada una consume «corazones» que sueltan los enemigos. También tienen un uso estratégico específico. El agua bendita controla zonas, la cruz limpia la pantalla y el hacha ataca en arcos elevados. Esta capa de estrategia fue una de sus grandes innovaciones.
Si bien la versión de NES es la más recordada, la versión para el ordenador japonés MSX2, titulada Vampire Killer, presentaba diferencias jugables significativas. Era menos lineal y requería encontrar llaves para abrir cofres y puertas, añadiendo un componente de exploración que, curiosamente, anticipaba la futura fórmula «Metroidvania» por la que la saga se haría famosa años después.
La curva de dificultad de Castlevania es un monumento al concepto de «Nintendo Hard». Es un juego brutalmente difícil, pero casi siempre justo. Cada muerte es una lección. El infame retroceso (knockback) al ser golpeado, que a menudo nos arroja a un abismo, los patrones de las cabezas de Medusa o los saltos milimétricos en la torre del reloj son pruebas de fuego que exigen perfección. Superar una pantalla en Castlevania no es solo una victoria; es un logro que se siente ganado a pulso.
PARTE IV – La Huella Inmortal
En su lanzamiento, Castlevania fue aclamado por la crítica. Medios de la época como Nintendo Power elogiaron su atmósfera única, sus gráficos detallados, su inolvidable banda sonora y su desafiante jugabilidad. Se le consideró instantáneamente un título de primera categoría en el creciente catálogo de la NES.
Visto con ojos actuales, ¿ha envejecido bien? Absolutamente. Si bien sus controles deliberadamente rígidos pueden chocar a los jugadores acostumbrados a la fluidez moderna, su diseño de niveles sigue siendo una clase magistral. La colocación de enemigos, la variedad de situaciones y el ritmo del desafío son atemporales. Es un juego que todavía hoy exige respeto y recompensa la habilidad del jugador.
Su legado es, sencillamente, monumental. Castlevania no solo dio origen a una de las franquicias más queridas y longevas de la historia, sino que sentó las bases para el subgénero de acción gótica. Su influencia es palpable en innumerables juegos, desde la saga Dark Souls (con su dificultad metódica y diseño de mundo interconectado) hasta éxitos indie modernos como Bloodstained: Ritual of the Night (dirigido por Koji Igarashi, una leyenda de Castlevania) o Hollow Knight. La imagen de un héroe solitario enfrentándose a los horrores de un castillo maldito es un arquetipo que este juego solidificó en el imaginario colectivo de los videojuegos.
PARTE V – El Silencio de Transilvania en Tierras Hispanas
Para los jugadores de España y Latinoamérica que experimentaron el juego en su día, la aventura de Simon Belmont fue una experiencia universal sin barreras de idioma, principalmente porque no las había. El lanzamiento original de Castlevania en la NES no incluyó una traducción oficial al español. El poco texto existente en el juego, como la pantalla de título y el sistema de contraseñas, se mantuvo en inglés.
Sin embargo, la pasión de la comunidad hispanohablante ha hecho lo que Konami no hizo en su momento. Con el paso de los años, han surgido diversas traducciones hechas por fans (romhacks) que permiten disfrutar de la experiencia con textos en nuestro idioma. Uno de los parches más conocidos y celebrados es el realizado por el traductor DJ Traducciones, cuyo trabajo permite que las nuevas generaciones puedan acercarse a este clásico con una localización cuidada al español.
PARTE VI – Invocando al Clásico
A la fecha revivir la primera cruzada de los Belmont es más accesible que nunca, gracias a diversas vías legales que se adaptan a todo tipo de jugadores:
La Experiencia Purista: Para los más nostálgicos, la opción definitiva sigue siendo jugar en el hardware original: una consola NES con su cartucho correspondiente. Aunque requiere una inversión mayor, la sensación de jugar con el mando rectangular y ver la imagen en un televisor CRT es incomparable.
Reediciones Oficiales: La forma más sencilla y recomendada de jugarlo hoy es a través de la Castlevania Anniversary Collection. Este fantástico recopilatorio, disponible en formato digital para PC (Steam), PlayStation 4/5, Xbox One/Series X|S y Nintendo Switch, incluye el Castlevania original de NES junto a muchas otras joyas clásicas de la saga, con extras como guardado rápido y opciones de visualización.
Servicios de Suscripción: Los suscriptores del servicio Nintendo Switch Online tienen acceso directo a la versión de NES de Castlevania como parte del catálogo de juegos clásicos incluido en la membresía básica.
Emulación Responsable: La emulación permite no solo preservar el juego, sino también acceder a las traducciones hechas por fans. Es una herramienta valiosa para la preservación histórica y la accesibilidad, siempre que se utilice de forma responsable y respetando los derechos de autor.
PARTE VII – Píxeles Góticos y Melodías Inmortales
El alma de Castlevania reside en su presentación audiovisual, un triunfo del diseño en 8 bits. La dirección artística se inspira directamente en el cine de terror clásico de Universal y la Hammer. Cada enemigo es un icono reconocible: el Monstruo de Frankenstein, la Momia, el Hombre Pez, Igor, la Muerte y, por supuesto, Drácula. El diseño de los sprites, aunque limitado por el hardware, es detallado y expresivo, dotando a cada criatura de una personalidad aterradora. La paleta de colores, aunque oscura, utiliza contrastes brillantes para resaltar a Simon y los peligros, creando una atmósfera opresiva pero siempre legible.
La banda sonora, compuesta por la talentosa Kinuyo Yamashita (acreditada con el pseudónimo de Konami «James Banana»), es sin duda una de las mejores de la historia de los videojuegos. Melodías como «Vampire Killer», «Stalker» y «Wicked Child» no son simple música de fondo; son himnos cargados de energía y urgencia que se grabaron a fuego en la mente de los jugadores. Cada nota del chip de sonido de la NES fue exprimida para crear una atmósfera barroca y siniestra que elevó el juego de ser un simple plataformas a convertirse en una ópera de terror interactiva.
PARTE VIII – Tras los Muros del Castillo
El desarrollo de Castlevania está lleno de detalles fascinantes que enriquecen su leyenda:
Orígenes en Disco: Como se mencionó, el juego debutó en el Famicom Disk System. Esta versión permitía a los jugadores registrar su nombre y guardar la partida, algo que se perdió en el lanzamiento internacional en cartucho, siendo sustituido por un sistema de contraseñas.
Créditos de Película de Terror: El final de la versión japonesa de FDS incluía unos créditos que parodiaban las películas de terror clásicas, cambiando los nombres del equipo de desarrollo por juegos de palabras monstruosos (ej. «Vran Stoker» en lugar de Bram Stoker, o «Trans Fish-man» para un programador). Estos créditos humorísticos fueron eliminados en las versiones occidentales.
El Truco del Arma Doble/Triple: Un famoso «truco» o glitch permitía a los jugadores lanzar dos o incluso tres cruces-bumerán a la vez. Para ello, había que recoger un potenciador de arma doble/triple justo cuando una cruz ya estaba en pantalla. ¡Dominar esto era clave para los speedrunners de la época!
Diferencias de Portada (Box Art): La diferencia entre las portadas es un caso de estudio. La carátula japonesa para Famicom presenta un arte estilo manga, con un Simon Belmont de aspecto más heroico y juvenil. Por el contrario, las portadas norteamericana y europea optaron por una ilustración más realista y sombría, con un Simon bárbaro y musculoso, evocando el estilo de artistas como Frank Frazetta y estableciendo un tono mucho más serio y oscuro para el público occidental.
Si quieres conocer otro de los pilares de Konami en la NES, no te pierdas nuestro análisis de Contra. La fórmula de Castlevania evolucionaría años después. Lee sobre su transformación en nuestro artículo dedicado a Castlevania: Symphony of the Night.
En el crepúsculo de la era de los 8 bits, la NES ya había forjado sus más grandes leyendas. Sin embargo, existía un rincón oscuro reservado solo para los jugadores más valientes. Era un tiempo donde los manuales eran portales a mundos lejanos y cada cartucho prometía una nueva aventura.
En este fértil ecosistema, un título peculiar y ambicioso aterrizó en la consola de Nintendo en 1990: 8 Eyes. A menudo eclipsado por sus contemporáneos, este juego es un fascinante artefacto de su tiempo. Es una joya oculta que fusionó la acción de Castlevania con una mecánica cooperativa única y una dificultad legendaria.
Prepárate para un viaje a un futuro post-apocalíptico. Aquí, la humanidad depende de la sinergia entre un guerrero y su fiel halcón. Este es el análisis de 8 Eyes para NES, una de las aventuras más enigmáticas de la consola.
A finales de los 80, la acción directa y las plataformas dominaban los salones recreativos y las consolas domésticas. En este contexto, 8 Eyes se presentó como un juego de acción con una ambientación sombría y una propuesta audaz. El estudio japonés Thinking Rabbit lo desarrolló y SETA lo publicó. El juego llegó primero a Japón el 28 de septiembre de 1988. No sería hasta enero de 1990 que cruzaría el Pacífico para aterrizar en la NES norteamericana.
Thinking Rabbit no era un gigante como Konami o Capcom. Sin embargo, tenía una reputación de crear títulos ingeniosos. Con 8 Eyes, buscaron dejar una marca indeleble, inspirándose en el éxito gótico de la saga Belmont, pero añadiendo su propio y distintivo giro.
Parte II – Un Canto de Esperanza en el Yermo Nuclear
La narrativa de 8 Eyes nos sumerge en un futuro lejano y desolador. Cientos de años después de un cataclismo nuclear, la civilización humana está en ruinas. El caos y la guerra dominan el mundo. La esperanza de reconstruir reside en los «8 Ojos», ocho joyas de inmenso poder recuperadas del corazón de las explosiones atómicas.
Sin embargo, los ocho Grandes Duques del Rey robaron estas gemas. Corrompidos por la codicia, se han atrincherado en sus extraños y peligrosos castillos.
En este desolador panorama, emerge nuestro héroe: Orin el Halconero, el más valiente de los guardias del rey. Acompañado de su inseparable halcón de combate, Cutrus, Orin se embarca en una misión desesperada. Debe infiltrarse en los ocho reinos, derrotar a los duques traidores y recuperar las joyas para devolver la paz al mundo.
La historia, contada a través de la introducción y el manual, era sorprendentemente rica para su época. No se limitaba a «salvar a la princesa». Construía un lore post-apocalíptico con un tono grave y solemne, una aspiración narrativa que lo distinguía de muchos contemporáneos.
Parte III – La Danza Mortal de Dos Voluntades
El núcleo jugable de 8 Eyes es donde brilla con luz propia, pero también muestra sus aristas. A primera vista, se parece a Castlevania. Controlamos a Orin, que ataca con una espada y puede usar armas secundarias. Los saltos son deliberados y algo rígidos. Los enemigos siguen patrones fijos que exigen memorización y precisión.
La gran innovación es Cutrus, el halcón. El jugador controla a Orin con el D-pad y, simultáneamente, a Cutrus manteniendo presionado el botón B. El halcón puede atacar enemigos, presionar interruptores y proteger a Orin, pero tiene su propia barra de vida. Esta mecánica de control dual es el alma y el mayor desafío del juego. Dominar la coordinación entre ambos personajes es fundamental para sobrevivir.
Esta idea se expande de forma brillante en su modo cooperativo. Un segundo jugador puede tomar el control de Cutrus. Esto convierte la experiencia en un ejercicio de comunicación y sincronía sin igual en la NES. Además, el juego adopta una estructura no lineal al estilo Mega Man, permitiendo elegir el orden en que enfrentas a los duques. Cada duque es débil a un arma que se obtiene al derrotar a otro. Esto crea un orden estratégico para superar los niveles.
La dificultad es brutal, un claro ejemplo del «Nintendo Hard». Enfrentarás enemigos implacables, saltos milimétricos y jefes que no perdonan. No es una curva injusta, pero sí una que exige paciencia, práctica y un dominio absoluto de su compleja jugabilidad.
Parte IV – Un Clásico de Culto Forjado en Dificultad
En su lanzamiento, 8 Eyes recibió una recepción mixta. Revistas como Nintendo Power elogiaron su originalidad y banda sonora. Sin embargo, criticaron su abrumadora dificultad y sus controles, a menudo considerados toscos. Fue un juego que no conectó masivamente con el público, quedando como una nota a pie de página en el catálogo de la NES.
Visto con la perspectiva del tiempo, ¿ha envejecido bien? La respuesta es compleja. Sus controles rígidos y su elevada dificultad pueden frustrar a los jugadores modernos. Sin embargo, su ambición es innegable. La mecánica de Orin y Cutrus sigue siendo única y su atmósfera oscura y soberbia banda sonora han resistido bien el paso de las décadas.
Hoy, 8 Eyes es recordado como un clásico de culto. Es una «joya oculta» venerada por quienes buscan un desafío de la vieja escuela y aprecian las propuestas arriesgadas. Su legado reside en ser un testimonio de la experimentación y creatividad que florecieron en la era de los 8 bits.
Parte V – El Idioma de los Halcones
Como era habitual en la época para muchos títulos de nicho en la NES, 8 Eyes no recibió una traducción oficial al español en su lanzamiento original. Los jugadores de España y Latinoamérica tuvieron que experimentarlo en inglés, dependiendo del manual para desentrañar los detalles de su intrigante historia.
Afortunadamente, la dedicación de la comunidad de fans ha permitido que este clásico pueda ser disfrutado en nuestro idioma. A lo largo de los años, han surgido varios parches de traducción no oficiales. De hecho, existen al menos dos versiones destacadas. La más antigua fue realizada por DJ Traducciones. Más recientemente, el traductor «Wave», del grupo Traducciones Wave, realizó una de las traducciones más conocidas, adaptando los textos para las nuevas generaciones de retrogamers.
Parte VI – Cómo Jugar a la Leyenda de Orin y Cutrus Hoy
Para aquellos valientes que deseen enfrentarse al desafío de los ocho duques, existen varias vías legales para disfrutar de 8 Eyes a fecha de 1 de septiembre de 2025.
La Experiencia Purista (Hardware Original): La forma más auténtica es, por supuesto, conseguir un cartucho original de NES y jugarlo en la consola para la que fue concebido. Aunque puede ser una opción costosa para coleccionistas, ofrece la sensación genuina de los controles y la visualización en un televisor CRT.
Reediciones Oficiales en Plataformas Modernas: Afortunadamente, el juego ha sido rescatado del olvido. La compañía Piko Interactive, especializada en la preservación de videojuegos retro, adquirió los derechos y ha publicado 8 Eyes en la plataforma Steam para PC. Esta versión es la forma más accesible y recomendada para jugarlo hoy en día, asegurando la compatibilidad con sistemas operativos modernos.
Emulación Responsable: La emulación es una herramienta vital para la preservación de la historia del videojuego. Siempre abogando por el uso de software y copias de seguridad de juegos que poseas legalmente, es una vía para experimentar el título.
Parte VII – Píxeles Góticos y Melodías Desoladoras
El apartado audiovisual de 8 Eyes es uno de sus puntos más fuertes. El arte evoca un mundo gótico y en decadencia, con castillos llenos de gárgolas y mazmorras lúgubres. Aunque la paleta de colores de la NES era limitada, el juego la utiliza con maestría para crear una atmósfera opresiva que recuerda a los primeros Castlevania.
Pero donde 8 Eyes realmente se eleva es en su banda sonora, compuesta por Koji KITA. La música es espectacular. Cada nivel tiene una melodía memorable que define el tono del escenario. El tema de la pantalla de selección de nivel es particularmente icónico. Es, sin duda, una de las bandas sonoras más infravaloradas y brillantes de la NES.
Parte VIII – Secretos Enterrados en las Ruinas
Como todo buen clásico de la NES, 8 Eyes guarda un buen puñado de secretos y curiosidades que enriquecen su leyenda.
Desarrollador Fantasma: Thinking Rabbit, el estudio desarrollador, es una entidad bastante misteriosa. Son más conocidos en Japón por la serie de juegos de misterio The Famicom Detective Club, y 8 Eyes fue una de sus pocas incursiones en el género de acción pura..
El Orden Correcto: Aunque el juego permite elegir nivel, existe un orden «correcto» para facilitar la aventura, ya que el arma que consigues de un jefe es la debilidad de otro. El orden óptimo es: España -> Egipto -> Italia -> India -> África -> Alemania -> Arabia -> La Casa de la Plaga.
Portadas Regionales: Las portadas de Japón y Norteamérica son radicalmente diferentes. La japonesa es una ilustración de estilo anime más tradicional, mostrando a Orin y Cutrus en una pose heroica. La norteamericana, en cambio, es una pintura mucho más oscura y realista, con un Orin musculoso y un halcón amenazante, muy en la línea del arte occidental de la época que buscaba un tono más «maduro».
Finales Ocultos: El juego tiene varios finales. Para ver el verdadero y mejor final, no solo debes recuperar las 8 joyas, sino también colocarlas en el Altar de la Paz en el orden correcto. Si fallas, obtendrás un final malo donde el mundo es destruido. ¡La presión es real!
El Nombre del Halcón: El nombre de Cutrus es, posiblemente, un homenaje a la famosa espada «Curtana», también conocida como la «Espada de la Misericordia», parte de las Joyas de la Corona del Reino Unido, añadiendo otra capa de lore al trasfondo del juego.
Si te gustan los desafíos de acción y plataformas con una ambientación gótica, no te pierdas nuestro análisis de Castlevania III: Dracula’s Curse o la estructura de selección de niveles te recordará sin duda a otro gran clásico, como detallamos en nuestro análisis de Mega Man 2.
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