Super Mario All-Stars es una compilación de 1993 de videojuegos de plataforma Super Mario desarrollados y publicados por Nintendo para la Super Nintendo Entertainment System (SNES). El juego contiene remakes mejorados de los cuatro juegos de Super Mario lanzados para la Nintendo Entertaiment System (NES): Super Mario Bros, Super Mario Bros 2, Super Mario Bros 3 y Super Mario Bros .: The Lost Levels, el último de los cuales fue la versión japonesa original de Super Mario Bros. 2 que nunca fue lanzada fuera de Japón antes de esta compilación. Los juegos fueron reestructurados para aprovechar el hardware de la Super NES, con gráficos actualizados y sonidos y mecanismos de ahorro adicionales.
Una segunda versión de la compilación, que incluye Super Mario World como título jugable, fue lanzada en diciembre de 1994. La versión original de Super Mario All-Stars en 1993 fue portada como un juego de Wii en 2010 para celebrar el 25 aniversario de Super Mario Bros.
Super Mario All-Stars es una compilación de videojuegos que incluye remakes completos de los cuatro juegos de plataformas de desplazamiento lateral Super Mario que fueron lanzados originalmente para Nintendo Entertainment System y Famicom Disk System entre 1985 y 1990: Super Mario Bros., Super Mario Super Mario Bros. 2 (Super Mario Bros. 2 en Japón) y Super Mario Bros. 3. El gameplay de cada juego remake es casi idéntico a su versión original, aunque algunos física de juego, así como los diseños de personajes y niveles son ligeramente modificados, y algunos errores, incluyendo el «Minus World» en Super Mario Bros., son fijos.
El juego fue muy acertado y bien recibido en su lanzamiento y se convirtió eventual en un «Player’s Choice Million Seller». Antes del 31 de mayo de 1994, Super Mario All-Stars estaba disponible como una promoción de Nintendo, dando el juego de forma gratuita si se compraba una Super Nintendo Entertainment System. La prueba de compra y $ 3.50 USD-para cubrir franqueo y manipulación-se requirió para ser enviado a Nintendo y Super Mario All-Stars fue enviado al comprador.
Metal Walker, conocido como Bakusou Senki metal Walker GB: Kotetsu no Yuujou (lit. «Locas Crónica de Metal Walker GB: Amistad de Acero») en Japón, es un videojuego de rol para el Juego Boy Color en 2001, desarrollado y publicado por Capcom. Muchos críticos compararon el juego con la serie de Pokémon, pero elogiaron las cualidades únicas del juego. En Japón, el juego inspiró la mercancía basada en los robots de Metal Walker.
Las batallas de Metal Walker son únicas de otros juegos del género debido a su naturaleza de estilo billar. Los jugadores mueven a sus caminantes de metal a traés del campo de batalla golpeándolos con artículos, paredes, o caminantes metálicos enemigos.
El juego móvil 2013 Monster Strike tiene un concepto similar y mecánica de juego, pero de lo contrario no está conectado a Metal Walker.
Metal Walker tiene lugar a finales del siglo 21 cuando un valioso y evolutivo metal conocido como Core se descubre en una isla. Los líderes militares trataron de usar el Core para desarrollar armas, pero un accidente convirtió a la isla en un desierto en ruinas. La Tierra aherrumbrada, como se le llama, es donde se desarrolla el juego. Debido a la investigación, la isla está dispersa con robots maliciosos conocidos como Metal Busters. Cincuenta años después del accidente, el personaje principal y su padre Tetsuo Kurama han dedicado sus vidas a la búsqueda de unidades de la base perdidos en la isla, pero el juego empieza mostrando como el padre se separó de su hijo como una banda de Metal Busters lo atacan. El personaje principal y su Metal Walker, Meta Ball, deben buscar a su padre en la isla. El Profesor Hawk, el empleador de Tetsuo le dice al personaje principal que su padre será encontrado donde hay unidades básicas, por lo que luego va a buscarlos.
Aunque es un RPG de consola, las batallas se luchan en un pinball o billar, como la atmósfera en una perspectiva de arriba hacia abajo arena. A medida que empieza cada turno de la batalla, los jugadores deciden en qué dirección se moverá un Metal Walker y lo difícil que se moverán. Se anima a los jugadores a que formen estrategias que permitan a golpear a un solo enemigo, rebotar en una pared y luego golpear a otro enemigo, todo en un solo giro. En el campo de batalla, los jugadores pueden lanzar varios tipos diferentes de objetos al campo. Los artículos se utilizan cuando un caminante del metal los golpea.
Las cápsulas y elementos curativos fortalecen y sanan a los caminantes de metal, mientras que los elementos de ataque, como el napalm, sólo son útiles cuando el enemigo los golpea. También existen analizadores, que proporcionan al jugador datos de escaneo para cualquier caminante de metal que se rebote en ellos. La chatarra ganada después de la batalla se puede utilizar con los datos de escaneo para crear nuevos caminantes de metal o artículos de compra. Cuando un enemigo es destruido, el Metal Walker del jugador ganará puntos de experiencia y se podría obtener un ítem. Si el jugador del Metal Walker se queda sin puntos de golpe, el jugador perderá la mitad de los restos llevados y tendrá que comenzar desde el último punto de salvación.
Super Mario World 2: Yoshi’s Island es un juego de plataforma de 1995 desarrollado y publicado por Nintendo para la Super Nintendo. La apariencia única del juego desciende del disgusto del productor y creador de Mario Shigeru Miyamoto por los gráficos pre-renderizados por computadora del contemporáneo país Donkey Kong Country. Después de cuatro años de desarrollo, la isla de Yoshi se lanzó en Japón en agosto de 1995 y dos meses después en todo el mundo. El juego se volvió a lanzar para Game Boy Advance con pocos cambios en 2002.
Yoshi’s Island es un juego de plataforma de desplazamiento lateral en 2D. Su historia comienza cuando una Magikoopa de los Koopalings ataca a una cigüeña que da a luz a los hermanos Mario y Luigi. Tuvieron éxito en el secuestro de Baby Luigi, pero Baby Mario cae del cielo y cae sobre Yoshi, el dinosaurio amistoso titular y el personaje de jugador del juego para un solo jugador. Mientras el jugador controlaba a Mario y montaba a Yoshi en los juegos de la serie anterior, en Yoshi’s Island, el jugador controla uno de los muchos Yoshis, que se turnan para viajar a través de 48 niveles en seis mundos para rescatar a Baby Luigi y reunir a los hermanos.
El jugador navega entre plataformas y sobre algunos enemigos en camino al final de los niveles cada vez más difíciles. Yoshi también recolecta monedas para ganar vidas extra y retiene su larga lengua de Super Mario World. El juego se centra más en «resolver rompecabezas y en recolectar objetos» que en otros juegos de plataformas, con flores ocultas y monedas rojas para encontrar. Cada cuarto nivel es una lucha de jefe contra una versión grande de un enemigo anterior.
Recibió «Aceptación instantánea» y «aclamación universal», de acuerdo con una retrospectiva de IGN y un agregador de revisión de videojuegos Metacritic, respectivamente. Los tres críticos de Diehard GameFan le dieron al juego una puntuación casi perfecta. El juego ha vendido más de cuatro millones de copias.
Donkey Kong Jr., es un videojuego de plataforma lanzado y desarrollado por Nintendo, lanzado originalmente 1982 para las maquinas recreativas y lanzado en 1987 para la Nintendo Entertainment System. Es la secuela de Donkey Kong, que presenta a Mario como el héroe y al padre de Junior como el villano; Los roles se invierten aquí.
El protagonista del juego, Donkey Kong Jr., también llamado simplemente Junior o abreviado como DK Jr.,está tratando de rescatar a su padre, quien ha sido encarcelado. La jaula de su padre está custodiada por Mario, en su única aparición como antagonista en un videojuego de Nintendo.
DK Jr. debe rescatar a su padre abriéndose camino a través de una serie de cuatro pantallas. Mario intenta detener a DK Jr. liberando animales y poniendo obstáculos en su camino. Cuando DK Jr. tiene éxito en la última pantalla, Donkey Kong es liberado y patea a Mario a la distancia, dejándolo huir y con un destino desconocido; El juego comienza de nuevo en un nivel de dificultad más alto.
Al igual que su predecesor, es un juego de plataformas. Hay un total de cuatro etapas, cada una con un tema único. DK Jr. puede correr a la izquierda y a la derecha, saltar y agarrar vides / cadenas / cuerdas para subir más alto en la pantalla. Puede deslizarse más rápido sujetando solo una enredadera, o escalar más rápido sosteniendo dos.
Donkey Kong Jr. recibió un premio en la categoría de «Mejores efectos audiovisuales de videojuego de 1984 (16K o más ROM)» en la quinta entrega de los Premios Arkie, donde los jueces lo describieron como «muy divertido», y señalaron que el juego fue exitosa como secuela – «extiende el tema y presenta una acción de juego radicalmente diferente» a su predecesora.
Hay olores que te transportan a la infancia, y hay sonidos que te llevan directamente a una tarde de los 90. El «clic» del cartucho entrando en la NES, el zumbido de la tele de tubo y esa melodía inicial, a veces machacona, a veces épica, que anunciaba el comienzo de una nueva aventura. En ese mar de cartuchos grises, algunos eran leyendas instantáneas y otros… otros eran Attack of the Killer Tomatoes. Un juego que, para muchos, representó ese alquiler de fin de semana basado en una portada llamativa y una caricatura popular. Una apuesta que podía salir sorprendentemente bien o terriblemente mal. Hoy, en Nivel Secreto, vamos a pisar fuerte para exprimir hasta la última gota de este peculiar y desafiante clásico.
En su versión para NES, Attack of the Killer Tomatoes es un plataformas 2D. Se enmarca perfectamente en la oleada de títulos basados en licencias que inundaron la consola de 8 bits. El estudio estadounidense Imagineering lo desarrolló, mientras que la entonces emergente THQ (Toy Headquarters, Inc.) se encargó de publicarlo. El juego aterrizó primero en Norteamérica en 1991 y llegó a Europa un año después, en 1992.
Es importante señalar un detalle clave. El juego no se basa en la película de culto de 1978, sino en su adaptación a serie de dibujos animados de 1990. Esto explica su tono más ligero y su protagonista, el joven Chad Finletter. En aquella época, tanto Imagineering como THQ ganaron fama por producir una gran cantidad de juegos licenciados. A menudo trabajaban con tiempos de desarrollo ajustados, lo que les forjó una reputación de calidad variable, pero sus juegos siempre estaban presentes en las estanterías.
PARTE II – Una Trama Directa al Puré
La narrativa de Attack of the Killer Tomatoes es tan directa como su jugabilidad: el brillante pero malvado científico Dr. Putrid T. Gangreen ha desatado, una vez más, a su ejército de tomates mutantes para conquistar el mundo. El único que puede detenerlo es el joven repartidor de pizzas y héroe a tiempo parcial, Chad Finletter. Armado únicamente con su capacidad para saltar y una determinación de hierro, Chad debe atravesar las calles, fábricas y alcantarillas de San Zucchini para enfrentarse a los secuaces de Gangreen, como el secuaz humano Igor y el tomate soldado Zoltan, antes de la confrontación final con el científico loco. La historia se cuenta de forma mínima, a través de una breve secuencia inicial y las escenas de final de nivel, dejando que la acción y el manual de instrucciones rellenen los huecos. Es una narrativa sin pretensiones, típica de la época, donde el pretexto argumental servía como simple catalizador para la acción plataformera.
PARTE III – La Dura Vida del Exterminador de Hortalizas
El núcleo jugable de Attack of the Killer Tomatoes es simple: Chad corre y salta a través de niveles lineales de scroll lateral. El método principal de ataque es saltar encima de los tomates pequeños para aplastarlos. Sin embargo, el juego complica esta fórmula con un diseño de niveles laberíntico, una física de salto algo rígida y una dificultad endiablada. El «game feel» es exigente; los controles requieren precisión milimétrica y los saltos deben ser calculados al extremo. No hay power-ups ni armas, solo tu habilidad para esquivar y pisotear. Lo que define la experiencia es su brutalidad, a menudo catalogada dentro del infame término «Nintendo Hard».
Los enemigos reaparecen, las caídas al vacío son constantes y los jefes requieren patrones de ataque muy específicos. Es un juego que no perdona errores, donde la memorización de los niveles se convierte en la única estrategia viable para progresar, un rasgo distintivo de muchos títulos de su generación que buscaban alargar su duración a través del desafío puro y duro.
PARTE IV – Un Legado Tomado con una Pizca de Sal
En su lanzamiento, la recepción crítica del juego fue, en el mejor de los casos, tibia. La mayoría de las revistas especializadas de la época, como Nintendo Power, lo consideraron un juego mediocre. Criticaron sus controles imprecisos y su dificultad frustrante, aunque a menudo elogiaron el intento de capturar el espíritu de la caricatura.
Con la perspectiva que da el tiempo, podemos decir que el juego no ha envejecido bien en lo jugable. Sus mecánicas resultan rígidas y su dificultad se siente más injusta que desafiante. Sin embargo, ha encontrado un segundo aire como un clásico de culto. Atrae a jugadores que disfrutan de los «malos juegos buenos» y los retos extremos. Su legado no reside en la innovación, sino en ser el ejemplo perfecto del típico juego licenciado de 8 bits. Era un producto funcional, con una dificultad artificial y un encanto innegable derivado de su extraña premisa.
PARTE V – Un Menú Solo Disponible en Inglés
Como era habitual en la era de la NES para los juegos que no eran superproducciones, Attack of the Killer Tomatoesno recibió una traducción oficial al español en su lanzamiento original en Europa. El cartucho distribuido en regiones hispanohablantes contenía la versión en inglés. Afortunadamente, la comunidad de fans ha rescatado este título del olvido lingüístico. Existen al menos tres traducciones no oficiales (romhacks) al español. Una fue realizada por gadesx, y otra por JONNYVILLA2088 y una primigenia de Emu4ever. Ambas permiten disfrutar de los escasos pero existentes textos del juego en nuestro idioma. Un aplauso para la increíble labor de preservación que realiza la scene.
PARTE VI – Exprimiendo este Clásico a día de hoy
¿Te atreves a enfrentarte al Dr. Gangreen? A fecha de 3 de septiembre de 2025, estas son las vías para jugar a Attack of the Killer Tomatoes:
La Vía Purista (Hardware Original): La forma más auténtica es, por supuesto, conseguir un cartucho original de NES y jugarlo en la consola para la que fue concebido. Aunque no es un título extremadamente raro, requiere una búsqueda en mercados de segunda mano y webs de subastas.
Reediciones Oficiales: Lamentablemente, el juego no ha sido reeditado oficialmente en ninguna plataforma moderna. No está disponible en servicios como Nintendo Switch Online ni ha sido incluido en ninguna colección de clásicos de THQ.
Emulación Responsable: La vía más accesible para la mayoría es la emulación. Utilizando un emulador de NES en un PC, Mac o dispositivo Android, puedes jugar al archivo ROM del juego. Esta opción permite además aplicar parches de traducción, como el mencionado anteriormente, y utilizar funciones como los «save states» para mitigar su elevada dificultad.
PARTE VII – Píxeles Rojos y Chiptune Pegadizo
Visualmente, el juego hace un trabajo decente para replicar la estética de la serie. Los sprites de Chad y los enemigos son reconocibles, aunque sus animaciones son algo limitadas. La dirección artística utiliza una paleta de colores vivos que resalta bien en los niveles. Sin embargo, a veces puede resultar un poco genérica.
En el apartado sonoro, el prolífico Mark Van Hecke compuso la música. Fue un veterano responsable de muchas bandas sonoras de la época, incluyendo otros juegos de THQ como Home Alone. La melodía principal es enérgica, repetitiva y muy pegadiza. Se te quedará grabada en la cabeza, para bien o para mal. Los efectos de sonido son simples pero funcionales, y cumplen su cometido.
PARTE VIII – Secretos del Huerto Mutante
Este juego esconde varias curiosidades interesantes para el arqueólogo jugón:
No es el primero: Aunque la versión de NES es la más conocida, no fue el primer juego de la franquicia. En 1986 se lanzó un juego con el mismo nombre para ordenadores de 8 bits como el ZX Spectrum y el Amstrad CPC, pero se trataba de una aventura de estrategia y texto completamente diferente.
Un Jefe Final… ¿Fácil?: A pesar de la dificultad extrema del resto del juego, muchos jugadores consideran que la batalla final contra el Dr. Gangreen es sorprendentemente sencilla en comparación con los obstáculos para llegar hasta él.
Diferencias de Portada: ¡La guerra del «box art»! La portada norteamericana muestra a Chad Finletter en una pose heroica, saltando sobre un tomate gigante con un estilo artístico muy fiel a la serie. La portada europea, en cambio, optó por un diseño más simple y menos dinámico, con un Chad de aspecto diferente y un fondo más plano. La versión americana, sin duda, es la más icónica y atractiva.
El Glitch del Salto Infinito: En ciertas versiones del juego, existe un glitch que, bajo condiciones muy específicas al ser golpeado por un enemigo cerca de una pared, puede permitir a Chad saltar repetidamente en el aire, facilitando el acceso a algunas zonas de los niveles.
Si crees que este juego era difícil, no te pierdas nuestro análisis del legendario Battletoads o para explorar otro juego licenciado de THQ de la misma era, echa un vistazo a nuestro artículo sobre Home Alone.
Hay un tipo de cartucho que, al deslizarse en nuestra NES, nos transportaba a un lugar muy diferente a los coloridos paisajes del Reino Champiñón. Eran grises, opresivos y, a menudo, implacables. A principios de los 90, con la fiebre de los 16 bits en pleno apogeo, la veterana consola de 8 bits de Nintendo se negaba a morir, convirtiéndose en el hogar de adaptaciones cinematográficas que, por limitaciones técnicas, debían reimaginar por completo la experiencia. En ese crisol de creatividad forzada nació Alien 3 para la NES, un juego que, contra todo pronóstico y a pesar del infame arcoíris de su distribuidor, ofreció una de las experiencias más tensas y sorprendentemente fieles al espíritu de la película en la que se basaba.
El juego es conocido simplemente como Alien 3. Al ser un desarrollo occidental, no posee un título japonés específico, pues nunca fue lanzado en dicha región. Su género es una interesante mezcla de acción y aventura, con elementos de exploración y puzles en un entorno laberíntico. Esta decisión de diseño lo alejaba de los típicos plataformas de acción que dominaban las adaptaciones de la época.
Detrás de este título estaba el estudio británico Probe Software. Eran desarrolladores prolíficos y muy competentes, con una gran reputación creando juegos para multitud de sistemas. Sin embargo, el publicador era una figura notoria: LJN. Su logo del arcoíris era conocido por estar en títulos de licencia a menudo apresurados y de calidad cuestionable. Este contexto hacía que muchos se acercaran a Alien 3 con escepticismo. El juego fue lanzado para la Nintendo Entertainment System (NES) en marzo de 1993 en Norteamérica y más tarde ese año en Europa. Llegó en el ocaso de la vida de la consola, convirtiéndose en una de sus últimas joyas ocultas.
PARTE II – Ecos en Pasillos de Acero
La trama de Alien 3 para NES sigue a grandes rasgos la premisa de la película de David Fincher. Tras los eventos de Aliens, la Teniente Ellen Ripley es la única superviviente de un accidente con su vehículo de escape, estrellándose en la colonia penal Fiorina «Fury» 161, un desolado planeta habitado por un grupo de reclusos de doble cromosoma Y. Pronto, el horror se desata al descubrir que no llegó sola: un Xenomorfo viajaba con ella y ahora acecha los interminables y claustrofóbicos pasillos de la prisión.
A diferencia de la acción militar de Aliens, el tono aquí es de pura supervivencia y desesperación. El juego captura esta atmósfera de forma magistral para ser un título de 8 bits. La narrativa se transmite principalmente a través de la situación inicial presentada en el manual y en breves escenas de terminales de ordenador dentro del juego. No hay cinemáticas elaboradas, pero la narrativa ambiental hace un trabajo extraordinario. Cada pasillo idéntico, cada puerta sellada y cada rincón oscuro contribuyen a una sensación de aislamiento y vulnerabilidad que era muy avanzada para la plataforma. El objetivo no es la erradicación, sino la supervivencia y la contención de una amenaza imparable.
PARTE III – El Laberinto y la Bestia
Lejos de ser el run and gun que sus hermanos de 16 bits en SNES y Genesis ofrecieron, el análisis de Alien 3 para NES revela una experiencia completamente distinta. El juego se estructura en una serie de niveles laberínticos presentados con una mezcla de vistas cenitales (para la exploración de los pasillos) y laterales (para las salas de acción y misiones). El núcleo jugable consiste en navegar estos complejos, rescatar prisioneros atrapados y cumplir objetivos específicos que se nos asignan en las terminales, como soldar puertas para contener al Alien o reparar sistemas.
El «game feel» es deliberadamente lento y metódico. Ripley no es una súper soldado; se mueve con cautela, y sus armas (un lanzallamas, un rifle de pulsos y granadas) tienen munición limitada, lo que obliga al jugador a ser estratégico. La mecánica más definitoria es la propia estructura de los niveles. Son confusos, idénticos y fáciles para perderse, lo que refuerza la tensión. El Alien no es un enemigo común; aparece de forma impredecible, acechando y cazándote por los conductos. No se le puede matar, solo repeler temporalmente, convirtiéndolo en una amenaza constante y aterradora, muy al estilo del Némesis de futuros juegos.
La curva de dificultad es elevada y característica de la era, pero raramente se siente injusta. El verdadero desafío no radica en el combate, sino en la gestión del tiempo y los recursos, la orientación y la ejecución precisa de las tareas bajo presión. La penalización por fallar es severa, a menudo obligando a reiniciar niveles enteros, un rasgo típico del «Nintendo Hard» que aquí, temáticamente, funciona a la perfección.
PARTE IV – Sentencia Final
En su lanzamiento, Alien 3 para NES recibió críticas moderadamente positivas, a menudo eclipsadas por las versiones de 16 bits, más vistosas y orientadas a la acción. Revistas como Nintendo Power elogiaron su atmósfera y su enfoque único, pero su lanzamiento tardío en el ciclo de vida de la NES significó que muchos jugadores ya habían migrado a la Super Nintendo. Pasó relativamente desapercibido para el gran público.
Con una perspectiva actual, el juego ha envejecido sorprendentemente bien. Mientras que muchos juegos de acción de la época pueden sentirse repetitivos, el enfoque en la tensión, la estrategia y la exploración de Alien 3 lo hace único en el catálogo de la consola. Sus gráficos, aunque limitados, son limpios y efectivos en su propósito de crear un ambiente opresivo. Jugablemente, sus controles son funcionales y su concepto sigue siendo atractivo. Es un título que recompensa la paciencia y la inmersión.
Su legado es el de ser una «joya oculta» y un brillante ejemplo de cómo una limitación de hardware puede fomentar la creatividad en el diseño. Demostró que no todas las adaptaciones de LJN eran fracasos y que era posible capturar la esencia de una película de terror y supervivencia en un cartucho de 8 bits, influenciando quizás a futuros títulos que priorizaron la atmósfera sobre la acción desenfrenada.
PARTE V – El Manifiesto Perdido
La era de los 8 bits no fue pródiga en traducciones oficiales al español, especialmente para títulos de nicho lanzados tardíamente. Como era de esperar, Alien 3 para NES nunca tuvo un lanzamiento oficial con traducción al español. Los textos del juego, aunque no excesivamente abundantes, permanecieron en inglés en su distribución para el mercado PAL europeo, que incluía a España.
Sin embargo, la comunidad de la scene y el romhacking ha rescatado este título para los hispanohablantes. A lo largo de los años han surgido varios parches de traducción hechos por fans, el crédito de esta loable labor corresponde a grupos como JONNYVILLA2088, Trans-Gen, TransVagos y Emu4ever, quienes lanzaron el parche de traducción, haciendo el juego mucho más accesible para los jugadores de habla hispana.
PARTE VI – Recuperando la Señal
Revivir la pesadilla en Fiorina 161 es bastante accesible. A fecha de 3 de septiembre de 2025, estas son las mejores formas de jugar a la versión de NES:
La Experiencia Purista (Hardware Original): La forma más auténtica es conseguir un cartucho original y una consola NES. Los cartuchos de Alien 3 no son extremadamente raros ni caros, por lo que es una opción viable para coleccionistas.
Reediciones Oficiales: Lamentablemente, debido a complejas licencias, Alien 3 para NES no se encuentra disponible en ninguna tienda digital moderna. Tampoco forma parte de servicios como Nintendo Switch Online.
Emulación Responsable: Para quienes no puedan acceder al hardware original, la emulación es la vía más práctica. Un emulador de NES permite preservar y disfrutar del juego. Además, es la única forma de aplicar el parche de traducción al español.
PARTE VII – Píxeles de Pavor y Sonidos de Aislamiento
El apartado audiovisual de Alien 3 es una clase magistral de cómo hacer más con menos. El arte logra una estética sombría y funcional. Probe Software utilizó una paleta de colores dominada por grises y negros para crear una sensación industrial y fría. Los pasillos son deliberadamente repetitivos, lo que potencia la desorientación y la claustrofobia.
La banda sonora es obra del legendario compositor Jeroen Tel. Su trabajo aquí es excepcional. En lugar de melodías heroicas, Tel compuso temas ambientales, minimalistas e inquietantes que generan una tensión constante. El tema principal es un loop que se graba en la mente. Los efectos de sonido, como el pitido del rastreador o el siseo del Alien, son increíblemente efectivos para poner los pelos de punta.
PARTE VIII – Eclosión de Datos
Este título guarda varias anécdotas interesantes. La decisión de Probe Software de desviarse del diseño de las versiones de 16 bits fue arriesgada. Buscaron capturar más el tono de «terror y sigilo» de la primera película de Alien, lo cual lo alineó más con la visión de Fincher para la tercera.
Diferencias Regionales y Portadas: El juego es casi idéntico en sus versiones de Norteamérica y Europa. Sin embargo, las portadas son muy diferentes. La versión americana utiliza el póster oficial de la película. En cambio, la versión europea presenta un arte completamente original y más estilizado. Muchos fans consideran esta última portada superior y más representativa del juego.
Sin Trucos Famosos: A diferencia de muchos juegos de la época, Alien 3 para NES no incluye códigos de trucos universalmente conocidos como el Código Konami. El desafío estaba pensado para ser superado a través de la habilidad y la perseverancia.
El Reto Técnico: Crear un mapa tan grande y complejo, con un enemigo que seguía su propia IA para cazar al jugador a través de los conductos, fue un logro técnico considerable para la NES en 1993. Mostró la maestría de Probe para exprimir hasta la última gota de potencial del veterano hardware.
La Versión de Game Boy: Existe una versión para Game Boy, también desarrollada por Probe. Es muy similar en concepto a la de NES, adaptando la misma fórmula de supervivencia laberíntica a la pantalla portátil. Se considera un excelente «hermano menor» de la versión de sobremesa.
Si quieres conocer otra adaptación cinematográfica sorprendente de la era de 8 bits, no te pierdas nuestro análisis de Batman: The Video Game. o el trabajo de Probe Software fue muy prolífico; puedes leer sobre su adaptación de Terminator 2 en nuestro artículo dedicado.
Hay un sabor que todos los que crecimos en los 8 y 16 bits recordamos: el de la dificultad pura, el de la victoria agridulce tras horas de intentos. Pero entre esos sabores, hubo uno mucho más dulce y peculiar: el de las gominolas. En una era dominada por héroes armados hasta los dientes, un juego nos enseñó que la verdadera fuerza no residía en las espadas o los láseres, sino en la confianza, el ingenio y una bolsa de gominolas compartida con un amigo de otro planeta. Este es el recuerdo de A Boy and His Blob: Trouble on Blobolonia, una joya que demostró que la NES era un lienzo para todo tipo de ideas, por extrañas que parecieran. En este análisis de A Boy and His Blob vamos a desenterrar los secretos de esta obra de culto.
A finales de los 80, el panteón de la NES estaba copado por fontaneros, elfos y soldados. En ese contexto, la llegada de «A Boy and His Blob» se sintió como una bocanada de aire fresco y creativo. Su nombre completo, A Boy and His Blob: Trouble on Blobolonia, ya era una declaración de intenciones. En Japón, fue conocido como Fushigi na Blobby: Blobania no Kiki (ふしぎなブロビー ブロバニアの危機, lit. «El Misterioso Blobby: La Crisis de Blobolonia»).
Clasificado como un juego de puzles y plataformas, se desmarcaba por completo de la acción frenética de sus contemporáneos. Fue desarrollado por Imagineering y publicado por Absolute Entertainment, un estudio fundado por David Crane, una leyenda de la industria y cofundador de Activision. La reputación de Crane, creador de Pitfall!, ya era un sello de garantía de que estábamos ante algo diferente. El juego debutó en la Nintendo Entertainment System en octubre de 1989 en Norteamérica, llegando a Japón un año después, en noviembre de 1990.
PARTE II – Una Trama Dulce como el Caramelo
La historia de «A Boy and His Blob» es simple, encantadora y directa, contada principalmente a través de su manual y la situación inicial del juego. Una noche, mientras nuestro protagonista (un chico anónimo) duerme, una extraña criatura con forma de gota, un «blob», se estrella en su patio. Su nombre es Blobert, y viene del planeta Blobolonia.
Blobert ha huido para buscar ayuda: su mundo ha sido conquistado por un malvado Emperador que, en un giro argumental delicioso, ha prohibido todo alimento que no sean dulces, vitaminas y chucherías, de las que se alimenta en exclusiva. Armado únicamente con su ingenio y una bolsa de gominolas que convenientemente tenía en su mochila, el chico decide ayudar a su nuevo amigo. Juntos, deben viajar por la Tierra en busca de tesoros para comprar vitaminas y luego embarcarse en un viaje a Blobolonia para derrocar al tirano goloso. La narrativa, aunque mínima, evoca el tono de las películas de ciencia ficción familiares de los 80 como E.T., el extraterrestre, centrada en la amistad incondicional entre un niño y un ser de otro mundo.
PARTE III – El Arsenal de Gominolas: Un Gameplay para Pensar
El núcleo jugable de «A Boy and His Blob» es tan único como su premisa, y es aquí donde reside su genialidad y, para algunos, su frustración. El jugador controla al chico, que no puede saltar muy alto ni atacar. Su única habilidad es lanzar gominolas de distintos sabores a Blobert. Cada sabor transforma al blob en un objeto diferente y útil. Por ejemplo:
Regaliz (Licorice): Escalera
Manzana (Apple): Gato (para levantar objetos)
Lima (Lime): Llave
Naranja (Orange): Trampolín
Vainilla (Vanilla): Paraguas
Ketchup: Puente (¡Sí, ketchup!)
El «game feel» es deliberadamente pausado. No se trata de reflejos, sino de observación y experimentación. ¿Cómo cruzo este abismo? Quizás con un puente de ketchup. ¿Cómo alcanzo esa plataforma? Una escalera de regaliz es la respuesta. Este análisis de A Boy and His Blob no estaría completo sin mencionar sus controles, a menudo criticados por ser algo imprecisos y «flotantes», lo que podía llevar a muertes frustrantes. La curva de dificultad era extraña; más que aumentar progresivamente, presentaba picos basados en puzles crípticos que exigían pensar «fuera de la caja» o, en muchos casos, un tedioso ensayo y error. Pese a ello, la sensación de resolver un enigma con la herramienta correcta era inmensamente satisfactoria, un desafío intelectual en una consola que a menudo solo pedía destreza con los pulgares.
PARTE IV – Un Legado de Culto que Perdura
En su lanzamiento, la recepción de «A Boy and His Blob» fue mixta, pero generalmente positiva. Medios como Nintendo Power elogiaron su originalidad y concepto innovador, aunque señalaron la frustración que podían causar sus controles y puzles. No fue un éxito de ventas masivo, pero su propuesta caló hondo en una comunidad de jugadores que buscaba experiencias diferentes.
Visto con la perspectiva actual, ¿ha envejecido bien? Jugablemente, sus costuras son visibles. La imprecisión del control y la naturaleza a veces ilógica de los puzles pueden ser exasperantes. Sin embargo, su concepto central sigue siendo brillante y encantador. Su legado es innegable: se convirtió en un clásico de culto y un ejemplo perfecto de diseño de videojuegos audaz. Su influencia se cimentó con una secuela para Game Boy y, sobre todo, con la aclamada reimaginación de 2009 desarrollada por WayForward para Wii, que modernizó los controles y expandió el universo con un arte exquisito, demostrando la atemporalidad de su núcleo emocional.
PARTE V – La Búsqueda del Blob en Español
El lanzamiento original de «A Boy and His Blob» en la NES nunca contó con una traducción oficial al español. Los textos del juego eran escasos, pero la barrera del idioma en el manual y los nombres de las gominolas podía suponer un pequeño obstáculo. Afortunadamente, la comunidad de fans ha rescatado esta joya para los hispanohablantes. A lo largo de los años, han surgido varios parches de traducción no oficiales (romhacks). Uno de los más reconocidos y difundidos fue realizado por el traductor conocido como «Wander», permitiendo que una nueva generación pueda disfrutar de la aventura con todos sus matices en nuestro idioma.
PARTE VI – Reviviendo el Clásico a Fecha de Hoy
Si te ha picado el gusanillo de la nostalgia y quieres ayudar a Blobert, existen varias vías legales y accesibles para disfrutar de esta aventura hoy en día:
La Vía Purista (Hardware Original): La experiencia más auténtica es jugar en una consola NES original con su cartucho. Aunque requiere una inversión en hardware retro, sentir el mando original en tus manos es incomparable.
Reediciones Oficiales: ¡Buenas noticias! Nintendo ha rescatado el clásico. A Boy and His Blob: Trouble on Blobolonia está disponible en el catálogo de juegos de Nintendo Entertainment System del servicio de suscripción Nintendo Switch Online. Esta es, sin duda, la forma más fácil y legal de jugarlo en una consola moderna.
Emulación Responsable: La emulación en PC o dispositivos compatibles es otra opción popular, especialmente para probar las traducciones de fans. Siempre y cuando poseas una copia original del juego, la emulación es una forma fantástica de preservar y disfrutar del título con mejoras como los estados de guardado.
PARTE VII – El Minimalismo Encantador de su Arte y Sonido
El apartado audiovisual de «A Boy and His Blob» es un claro ejemplo de «menos es más». Aunque no hay registros claros que separen a los artistas y compositores del equipo de Imagineering liderado por David Crane, el resultado es coherente y memorable. La dirección artística apuesta por la simplicidad: fondos oscuros y cavernosos que contrastan con los diseños sencillos pero expresivos de los protagonistas. El chico es un simple monigote y Blobert es una gota blanca, pero ambos derrochan personalidad. Los sprites de las transformaciones son funcionales y fácilmente reconocibles, un triunfo del diseño con recursos limitados.
La banda sonora es igualmente minimalista. La melodía principal es un tema corto, pegadizo y que se repite en bucle. Lejos de ser molesto, se convierte en un compañero constante de la aventura, una sintonía que evoca inmediatamente la sensación de exploración solitaria y misterio. Los efectos de sonido, como el «pop» de las transformaciones, son simples pero efectivos, cumpliendo su función a la perfección.
PARTE VIII – Secretos Caídos de la Mochila
Como todo buen clásico de NES, «A Boy and His Blob» está lleno de curiosidades y secretos que enriquecen su historia:
El Padre de Pitfall!: Su creador, David Crane, es una figura legendaria. Frustrado con la falta de reconocimiento en Atari, cofundó Activision. Años después fundaría Absolute Entertainment, siendo «A Boy and His Blob» uno de sus primeros y más personales proyectos.
El Código Konami… a su manera: El juego no usa el famoso código, pero sí tiene un truco icónico. En la pantalla del título, si pulsas Select varias veces, puedes aumentar tu contador de vidas hasta 99.
Gominolas Extra: El juego incluye dos sabores de gominola que no transforman a Blobert en nada útil, sino que afectan al entorno o a él mismo. La gominola de Miel (Honey) hace que las abejas se acerquen y la de Chocolate (Chocolate) lo deja inmóil temporalmente. Eran pistas falsas para el jugador.
Diferencias de Portada: El arte de la caja es un caso de estudio. La portada americana es icónica por su minimalismo: un simple dibujo del chico y Blobert sobre un fondo blanco, con una gominola en el aire. En cambio, la portada japonesa es un dibujo de estilo anime mucho más detallado y colorido, mostrando una interpretación muy diferente de los personajes.
Glitch Legendario: Existe un famoso glitch que permite al jugador saltar en el aire si se alinea correctamente con Blobert después de que este se transforme desde un agujero. Un truco esencial para los speedrunners.
Si quieres conocer otra creación legendaria de David Crane, no te pierdas la historia de cómo Pitfall! definió el género de plataformas o para otro juego de NES que rompió moldes, visita nuestro análisis de StarTropics.
Hay un sonido que nos transporta instantáneamente a finales de los 80: el zumbido eléctrico de una NES al encenderse, seguido por la fanfarria sintética de una melodía que prometía acción. Si en ese momento introducías el cartucho gris de 1942, te esperaba un viaje vertiginoso a los cielos del Pacífico. Este no era un juego más; era la promesa de Capcom de llevar la intensidad de los salones recreativos directamente a tu salón.
El título, conocido mundialmente como 1942 (en japonés: イチキュウヨンニ, Ichi Kyū Yon Ni), es un pilar fundamental del género shoot ‘em up de scroll vertical. Desarrollado y publicado originalmente por la legendaria Capcom para arcades en 1984, su llegada a la Nintendo Entertainment System (NES) en 1986 (Japón) y 1988 (Norteamérica y Europa) fue un evento mayúsculo. En una era donde Capcom se estaba forjando su reputación como un titán de la industria, la conversión de 1942 para NES demostró su habilidad para adaptar experiencias arcade complejas al hardware doméstico, sentando un precedente para futuros clásicos.
PARTE II – Una Misión Solitaria sobre el Pacífico
La narrativa en 1942 es un ejemplo perfecto de la economía de la era arcade: directa, evocadora y sin una sola línea de diálogo innecesaria. El manual nos sitúa en el teatro de operaciones del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. A los mandos de un Lockheed P-38 Lightning, apodado «Super Ace», el jugador tiene una misión casi suicida: abrirse paso a través de la flota aérea enemiga desde Midway hasta la batalla final en Tokio.
No hay cinemáticas, ni giros de guion. La historia se cuenta a través de la progresión de los niveles, con breves interludios que nos informan de nuestro avance en el mapa. Este minimalismo narrativo era la norma, pero 1942 lo ejecutaba con una atmósfera increíble. La sensación de ser un piloto solitario contra un ejército interminable era palpable. El juego no aspiraba a ser un simulador histórico, sino a capturar la esencia heroica y la tensión constante del combate aéreo, y en eso, triunfaba de manera espectacular.
PARTE III – El Ballet Mortal de Balas y Piruetas
El gameplay de 1942 es pura destreza arcade. El objetivo es simple: derribar todo lo que aparezca en pantalla mientras esquivas un infierno de proyectiles. El control del «Super Ace» es preciso, pero lo que realmente definió su jugabilidad fue la inclusión de una mecánica defensiva clave: el rizo o looping. Con solo pulsar un botón, el avión realizaba una maniobra evasiva que nos hacía invulnerables por un instante, limpiando la pantalla de balas. Este recurso, limitado en número, añadía una capa táctica fundamental, obligando al jugador a decidir el momento exacto para usarlo en situaciones desesperadas.
El sistema de power-ups era adictivo. Al destruir ciertas formaciones de aviones rojos, aparecían ítems que mejoraban nuestro armamento, añadiendo cañones dobles o incluso flanqueando nuestro P-38 con dos pequeños cazas de escolta. La versión de NES, aunque admirable, presentaba diferencias con el arcade. El ritmo era ligeramente más lento y el número de enemigos en pantalla menor debido a las limitaciones del hardware, pero mantenía intacta la esencia del desafío. La curva de dificultad es un claro ejemplo del «Nintendo Hard»: empieza siendo manejable, pero los últimos niveles exigen una memorización de patrones y unos reflejos casi sobrehumanos. No era injusto, pero sí implacable.
PARTE IV – Un Legado que Surca los Cielos
En su lanzamiento, 1942 fue un éxito rotundo tanto en arcades como en su versión para NES, consolidando a Capcom como un referente del género. Las revistas de la época elogiaron su acción frenética y su adictiva jugabilidad. Publicaciones como Computer and Video Games destacaron su capacidad para mantener al jugador pegado a la pantalla, una cualidad que trascendía plataformas.
Visto desde la perspectiva actual, ¿ha envejecido bien este análisis de 1942 para NES? Sorprendentemente, sí. Sus controles son responsivos y su concepto es atemporal. Aunque gráficamente ha sido superado mil veces, su gameplay puro sigue siendo un desafío gratificante. Su legado es inmenso. 1942 no solo dio inicio a una de las sagas más longevas de Capcom con secuelas como 1943: The Battle of Midway o 19XX: The War Against Destiny, sino que también sentó las bases para innumerables shoot ‘em ups que vendrían después. Su influencia se puede sentir en la forma en que muchos juegos del género equilibran la ofensiva con mecánicas defensivas.
PARTE V – ¿Se Hablaba Español en la Cabina?
Para los jugadores de España y Latinoamérica de la época, la barrera del idioma nunca fue un problema en 1942, principalmente porque el juego carecía casi por completo de texto. Más allá de los menús («Start Game», «Continue») y los marcadores de puntuación, la acción era el lenguaje universal. El lanzamiento original en mercados hispanohablantes no incluyó ninguna traducción oficial, presentando el juego en su versión inglesa.
Sin embargo, aunque no sea estrictamente necesaria una traducción por su simplicidad, la dedicada comunidad de romhacking sí ha puesto su atención en el juego para ofrecer una localización completa. Existen traducciones de los textos realizadas por traductores como Emu4ever y Wave, a quienes agradecemos su esfuerzo por preservar y hacer aún más accesible este clásico para la comunidad hispanohablante.
PARTE VI – Reclutamiento Abierto: Cómo Jugar Hoy
A fecha de 1 de septiembre de 2025, revivir este clásico es más fácil que nunca, gracias a diversas vías legales que respetan el trabajo de sus creadores.
La Experiencia Purista: Para los más nostálgicos, la mejor opción es conseguir un cartucho original y una consola NES. No hay nada como la sensación de soplar el conector y sentir el tacto del mando rectangular.
Reediciones Oficiales Digitales: Capcom ha mantenido vivo el legado de 1942. La forma más accesible de jugarlo hoy es a través de colecciones como Capcom Arcade Stadium y Capcom Arcade 2nd Stadium, disponibles en prácticamente todas las plataformas modernas (Nintendo Switch, PlayStation 4/5, Xbox One/Series X|S y PC a través de Steam). Estas colecciones suelen incluir tanto la versión arcade original como, en ocasiones, otras variantes, ofreciendo una experiencia fidedigna con extras modernos.
Emulación Responsable: La emulación es una herramienta vital para la preservación del videojuego. Utilizar un emulador para jugar una copia digital del juego que posees legalmente es una forma excelente de disfrutarlo en hardware moderno.
PARTE VII – El Arte y la Música de la Guerra
Detrás del pixelado campo de batalla de 1942 se encontraba el genio de Yoshiki Okamoto en el diseño y la planificación, mientras que la memorable banda sonora fue compuesta por Ayako Mori. La dirección artística en la versión de NES es un ejemplo magistral de cómo trabajar con las limitaciones. Aunque la paleta de colores era reducida, los sprites de los aviones son perfectamente reconocibles y la sensación de volar sobre el océano o las islas está muy bien conseguida. El parpadeo de los sprites, un efecto secundario común del hardware de la NES cuando había muchos elementos en pantalla, se ha convertido en una marca nostálgica de la época.
La música es, simplemente, icónica. La melodía principal que suena al empezar la partida es un himno a la acción de 8-bits, una fanfarria heroica y pegadiza que se te graba en la mente y te impulsa a seguir luchando. Los efectos de sonido, desde el tableteo de las ametralladoras hasta las explosiones, son sencillos pero efectivos, construyendo una atmósfera sonora que complementa la acción a la perfección.
PARTE VIII – Secretos de la Base Aérea
1942 es un juego que esconde más de lo que parece a simple vista:
El Misterioso Yashichi: Ocasionalmente, un power-up con forma de molinillo de viento puede aparecer en pantalla. Este es el «Yashichi», un ítem recurrente en muchos juegos de Capcom que en 1942 otorga un poder especial, como destruir a todos los enemigos en pantalla.
Diferencias Regionales: La versión japonesa del juego es ligeramente distinta a la americana y europea. En Japón, por ejemplo, el sistema de power-ups y la puntuación tenían pequeñas variaciones.
El Origen del Nombre: Aunque el juego se llama 1942, el avión que controla el jugador, el P-38 Lightning, en realidad entró en servicio a gran escala un poco más tarde. El título fue elegido por su impacto y por ser un año crucial en el conflicto del Pacífico.
El Arte de las Portadas: Las portadas de 1942 son un fascinante estudio de marketing regional. La portada japonesa para Famicom era un dibujo de estilo anime, muy dinámico y colorido. En cambio, la portada americana de la NES optó por un estilo de ilustración más realista y sombrío, mostrando al P-38 en pleno combate, buscando atraer a un público diferente.
Glitch Legendario: En algunas versiones, era posible encontrar un «punto ciego» en la parte superior de la pantalla donde ciertos patrones de enemigos no podían alcanzarte, un pequeño truco que los jugadores más dedicados usaban para tomar un respiro.
Si te gustó este clásico de Capcom, no te pierdas nuestro análisis de Mega Man 2, otra joya de la compañía para NES o para explorar otro gran shoot ‘em up de la época, visita nuestro artículo sobre Gradius.
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